绘画：彩色的音乐

詹建俊，1931年生,1953年中央美术学院绘画系本科生毕业，1955年中央美术学院彩墨系研究生毕业。1957年起在中央美术学院任教，现任该院教授、博士生导师，中国油画学会主席，国家有突出贡献的专家。 

    待客的精美茶具，可见生活的精致。从排列整齐的书架，转瞬取到所需，可见生活的有序。雪白的座椅，整洁的空间，可见画家纤尘不染的心境。

    在画板上，色彩、线条同样被詹建俊运用得有条不紊，手中的画笔好象一支指挥棒，谱写出动人的乐章。

    贝多芬、肖邦、斯特拉文斯基、格什温、京剧、评弹、单弦、京韵大鼓，这些都是詹建俊取之不竭的艺术营养，给了他将艺术融会贯通的悟性。

    詹建俊将自己的绘画归纳为“意”、“气”、“情”、“韵”四点。

    所谓“意”，指创作的构思立意。他希望作品“赞颂人间至美的一切，并使潜藏于平凡中的伟大、隐没暗淡里的光明，都在有限的篇幅内呈现出来，以它美好的精神力量启迪人们的心灵”。

    所谓“气”，是绘画的气势、气韵。谢赫“六法”以“气韵生动”为绘画第一要义，这与詹建俊在艺术精神所追求、在笔下所显现的雄远之气相谙合。

    所谓“情”，是指作品所表达、蕴含的情感。詹建俊说，“若以抒情与叙事相比，我更倾向于抒情”。他的作品蕴含的情感是强烈和明朗的。他不是悲苦、晦涩情感的表现者，更不是焦虑、矛盾、分裂、绝望情绪的解剖者,“我不倾向于过多的朴拙与苦涩，可能也不善于表现丑中之美，尽管我深知它会产生异常巨大的感染力，但是，我以为自己不合适。”

    所谓“韵”，是指作品的韵味。作为一个音乐爱好者，詹建俊习惯以表述音乐效果的语言表述自己作品的视觉效果。他的作品确实具有突出的、即使是不熟悉音乐的观者也能感受到的韵律感。这是由画面色彩、线条、明暗的强弱变化分布构成的。詹建俊的音乐感觉、音乐素养加强了他对绘画节奏、韵律的感受和调遣的机能。

    绘画艺术是要感染人的，它应该用自己的全部手段去征服观众的心，特别是油画，应充分发挥它那色彩、线条和构图的主动作用，以画面的全部魅力去激动观众，就像音乐以它的音调、节奏和旋律去激动听众一样，使观众从中得到一种不可名状的美感享受。詹建俊认为从这一点而言，美术的性质和音乐是相近的，它们都是以直接作用于人们的感官为特点，而不是直接理智的教育。它是利用感染而不是说教，是通过表情，而不是言词，因而不同于戏剧和文学，它不擅长于讲故事。绘画离开了情绪，离开了表情，离开了气氛意境就失去了它的艺术作用。哪怕只画一根线条、一块顔色，也都有它的“表情”，这是绘画的天性。

    绘画这种表现情绪的能力，和人们感受它的状况与人们欣赏音乐的过程类似，在音乐的欣赏中人们依据生活中的听觉经验，和视觉经验相互转换联想，把不同的音调、节奏和旋律在时间上的发展变化，转化为空间上的形式或感情。一个单一音调的平行进展，就像一条线在画的平行伸延，一个旋律进行中的快慢强弱，也可转化为一根线条变化的紧疏浓淡，所以在音乐欣赏过程中我们有如身临其境。在无声的绘画面前，画家常常可以感到形象的声音，好像听到大海的咆哮或树叶间细语的清风，难怪人们说，绘画是一种彩色的音乐。在自己的创作过程中，情绪常伴着想像的音乐产生。例如在《高原的歌》中，詹建俊感到的主要乐音是木管乐器的演奏，因此凡是画面棱角太利的地方他都感到不调和，所以尽量放弱笔触，追求柔和。在《狼牙山五壮士》里，感到的是定音鼓的擂打与整个乐队的奏呜。

    绘画同音乐一样都有着唤起情绪使人感动的能力，这种能力使绘画的抽象形式具有了相对独立的表现意义。詹建俊在创作中很好地发挥它的作用，努力在线条和黑白的组织、色彩的关系以及形态的构成等方面，去研究、去探索它们的广泛的表现可能，让一幅幅彩色的画唱出了心中“彩色的歌”。

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