海因里希·席夫谈“我为什么还要练音阶”

刊载于2013年8月21日《音乐周报》

谢谢戚缪笛在修改阶段所作的审核与纠正。

Nolix 编译

海因里希·席夫（Heinrich Schiff）是当代备受尊敬的奥地利大提琴家，他出生于1951 年 ，曾师从奥地利大提琴家库内（Tobias Kühne）和法国大提琴家纳瓦拉（André Navarra），上世纪末他在EMI公司所录制的巴赫无伴奏大提琴组曲备受人们的喜爱，以其轻柔灵动、层次清晰独树一帜。后来，席夫在飞利浦公司与小肖斯塔科维奇所合作的肖斯塔科维奇大提琴协奏曲，亦被认为是各版本中的最佳选择之一。席夫所使用的是一把1711年制的斯特拉迪瓦里琴“玛拉”（Mara）和一把1739年制的蒙塔尼安那琴“睡美人”。下面这篇文章里，席夫主要谈论了音阶、基础手指练习在大提琴学习、演奏中的重要性，无论你是初阶大提琴学习者，还是像席夫那样的专业大提琴家，音阶和那些基本功都绝对不可以小看哦！

长达25年的大提琴教学经验告诉我，在大提琴面前的每一个动作，都能真实地体现出大提琴演奏家的体力、技巧和演奏水平的高低，有时也与音乐的深度一一相应。为了达到完美的控制度，我们必须将自己的身体动作培养得既自然、浑然不觉，又达到最大程度的“经济实用”。诚实地说，那些物理层面，或者说运动力学方面的东西，比如手指按弦的频率，运弓的技巧，换把位的诀窍，这些都应该从音乐表达的学习中独立出来。倘若演奏者离开了所熟悉的环境（比如“家”），表现力往往会大打折扣，这时，更多基础性的东西就会有极其重要的价值了。

这正是我为什么相信练习曲和基础训练的原因——至今我还在练习音阶。这一点海菲茨也强调过。我并不觉得它总是一件让人愉快的事情，但请你无论如何去做！一定要花时间在音阶上。通过类似的练习（比如斐雅尔或者柯斯曼的大提琴基本手指练习），你可以培养起自己良好的乐器“舒适感”，这是器乐演奏中必不可少的、且非常奇妙的一部分。

当然，并不是所有器乐演奏家都认为这些练习非常重要，事实上，很多音乐家觉得练习曲根本是毫无意义的废物，一个人直接到真正的曲子里学习技巧不就行了吗？我觉得，这并不是没有道理，但前提是你必须清楚地知道自己应该做什么。一首练习曲就像一系列微型结构组合在一起，你必须用百分百的控制力将每一个音符完成，完全不受那些协奏曲里的“感情波动”的影响和摆布。一旦你这样处理你的大提琴独奏了，就立即会发现，一些协奏曲中的乐句和章法完全可以用练习曲中的触感（sensibility）来对待。

此时，会有狠多人反驳我说：“现在所有的协奏曲在你这儿听起来都像一首练习曲了！”他们也许是对的。任何人都可以把一件事情说得狠轻松，但是想要真正解决“协奏曲”这样的大问题，没有基础的练习必然是空中楼阁。

想想另外的那些音乐家吧。歌唱家们每天一清早就要做基本的声乐练习，或者名为"练声"：其中包括了音准、琶音、音阶和转调练习等等。为了保证自己的声音有着强有力的支撑点，他们会试唱每一个调性。管乐演奏家呢，常常会练习悠长的呼吸和精准的换气，让呼吸具备很强的控制力。可是，我们弦乐演奏家的类似基本训练还远远不够，特别是那些还在急切地寻找"自己独特声音"的青年演奏家们。我对他们的建议是：从最基本的空弦开始吧，不要带任何揉弦动作。你应该把思想集中在那些物理层面，比如要问自己：我的身体舒服吗？我能否自如地控制运弓的速度，快或慢都没有阻碍？ 然后才是怎么样变化自己的揉弦等问题。所以一开始，每一个音是直白的、无色彩的，然后再从物理的、客观的角度加入揉弦。 因此我说，这样的揉弦才是经过思考的，有辨别性的。如果空弦本身就是"干巴巴"的，那么就先别急着揉弦了。你必须彻底放松，让每一音找到合适它的那个"家"，否则当音乐的难度增加，你会很容易地失去控制。我的观点是：把身体这一层面解决了之后，我们才来对付艺术上的事情，你会发觉这样便容易多了。

在我的大师班里，一般采用如下的策略：我会先让学生拉一些安静而短小的东西，比如一连串中等速度的简单音符。当我们需要把力度从mf增加到f的时候，请将它们拉得完整、均匀、饱满，但是千万不要太响。如果我们选择的是一首协奏曲里的某些乐句，那么其中的滑音（slide）有可能会让学生紧张，所以我更加倾向於选择舍夫契克或者斐雅尔的练习曲，这些更简单明了的东西非常有助于我们回归基础层面。

基本功也包括了拉琴时的姿势。你坐在大提琴面前时，应该保证躯体稍稍向琴的方向倾斜。你必须找到一个稳定的姿态，这样你才可以保持几个小时而不觉得劳累。你必须控制你的脖子，避免给琴施加任何压力，这会引起身体不必要的紧张。另外，如果你从臀部开始就放松上身，那么人的躯体就可以帮助手臂产生自然而然的重力。如果你臀部非常紧张，那么全身的力量会大为减弱。同样的道理，耸肩的姿势（这是一个我们常常会犯的错误）会大大影响力量流淌到你的指尖，因为这只会让上身的肌肉绷紧。左右双臂都如此。
  
说到力量，这自然是大提琴家必不可少的东西。但是更重要的在于，你必须有持久的力量，用蛮力发音是完全错误的。 你需要变得强壮，锻炼出肌肉以便于储存我们的力量，但是演奏时请用自然的身体重力。持久的力量才能保证你在琴房里拉下三首协奏曲而毫不费力，你得训练自己这么做，就像保证自己的储备曲要比上台时难得多。所以，回到练习曲吧，这样才能让一首长长的德沃夏克协奏曲变得更容易。 每一支基础的练习曲就是你锻炼持续力量的地方。

培养起好的艺术感和学会如何控制情感，都不是简单的事情。我们的一些演奏者受过良好的教育，可惜想象能力相当匮乏。 乐感，从某个角度说与对乐器的“手工操作技能”同等重要，但是它从何而来？我认为依然离不开练习。比如，贝多芬的小提琴奏鸣曲应该听起来是什么样的？有许许多多的资料和讯息等着你去发掘，这是耗费时间与精力的事情，但也属于基本功中的一部分。

最后就要说到感情层面的问题了。我觉得作為一个大提琴家，必须培养出通过弓速、弓压的调节，揉弦和换把的技巧，来塑造出音乐色彩与氛围变化的能力。适当地扩大曲目库是对的，但是也要考虑到不同人对乐器的驾驭能力。从更广义的层面说，增加生活，艺术经验必不可少，无论是去看展览、听话剧，还是听歌剧、看芭蕾，乃至与从事一些和音乐彻底无关的活动，如读哲学书，都是你增加生活经验、不断充实自我的法宝。 匈牙利作曲大师利盖蒂就提到过，他从科学研究中获得过启发。所以我说，单单靠听录音想成为艺术家是远远不够的。你要多问问题，多去探索，头脑才可能富足。

我希望以下面的话作为文章的结尾：在拉埃尔加的大提琴协奏曲的时候，我的确运用了很多从练习曲中学到的东西。你表面上看到我在拉埃尔加，实际上我只不过是将很多基础的东西组合在一起了而已，让它们更具表现力罢了。所以，练习音阶吧，直到你生命的最后一分钟！你懂的，慢慢地练，不要太响，不要太快，保持你身体百分百的控制力。记住那些准则，把自己设想成一个歌者，从腹部均匀地吐纳气息。耐心，再耐心一点，永不放弃，你必会看到结果。

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