凯奇John Cage

简介 Biography

约翰·米尔顿·凯奇（英语：John Milton Cage Jr.，1912年9月5日－1992年8月12日），美国先锋派古典音乐作曲家，勋伯格的学生。他最有名的作品是1952年作曲的《4'33"》，全曲三个乐章，却没有任何一个音符。他是概率音乐（aleatory music，或“机会音乐”（chance music））、延伸技巧（extended technique，乐器的非标准使用）、电子音乐的先驱。虽然他是一个具有争议的人物，但仍普遍被认为是他的年代中最重要的作曲家之一。他同时是一位蘑菇专家。

约翰·米尔顿·凯奇（英语：John Milton Cage Jr.，1912年9月5日－1992年8月12日），美国先锋派古典音乐作曲家，勋伯格的学生，著名实验音乐作曲家、作家、视觉艺术家。1912年9月5日出生于洛杉矶。从1950年起，他的名声和影响波及全世界。1961年，他的演讲、论文集以一个意味深长的书名《无言》出版问世；从此确立了他作为当代一位主要的音乐理论家和美学思考家的地位。作为“机遇”（chance）音乐的代表性人物，他曾深受远东哲学、美学、尤其是佛学禅宗和中国《易经》的影响。

凯奇的作曲理念

• 使用任何环境下的声音，包括杂音
• 运用“机遇”（如抛硬币、算卦等）选择顺序
• 彻底放弃形式结构
• 运用沉默
• 广泛使用各种电子以及视觉手段

加料钢琴

凯奇在音乐上的一大“贡献”是发明（或至少是大大推广）了“加料钢琴”（又称“特调钢琴”）这种乐器。更早的作曲家如考埃尔甚至埃里克·萨蒂虽然也曾有过类似实验，但毫无疑问凯奇是这一乐器的正式创造人。这种乐器的“制作过程”就是在普通钢琴弦里插入各种物品，以产生特殊的声音效果。

东方哲学

凯奇对东方哲学（印度和中国）有浓厚的兴趣。尤其是《易经》，他经常用其来做即兴音乐创作。

偶然音乐

是让表演者可随着不同演出场合自由发挥的音乐创作技巧，偶然音乐的表现方式以下面三种最为常见：（1）不跟步骤的随性作曲；（2）让表演者自行选择如何演绎曲子；（3）使用非传统或全新的创作组合、乐谱或音符，让表演者可跳脱出原曲目规则，得以尽情诠释曲子。不过偶然音乐并不是即兴发挥，所有偶然因素下可能发生的情况都被详细的记录下来，实际上是根据偶然概率临时重组乐谱而不是根据事实状况即兴演奏。从二十世纪中叶以来，即兴音乐因约翰·凯奇的推广而广受欢迎。

人物生平

约翰·凯奇是20世纪美国著名的作曲家、 哲学家和音乐作家，他在美国现代音乐发展史中，处于一个极为重要的地位，在很长一段时间内，约翰·凯奇在先锋艺术领域里的地位几乎就是一位领袖或先知。 在美国高度自由的艺术氛围里，他穷其毕生精力，以严肃的思考、独特的行为方式去探求音乐的新发展，获得人们的普遍关注与理解。

早年学习绘画，但并不得志，曾在Pamona大学和UCLA （加州大学洛杉矶分校）学习，但未卒业。后辗转至著名作曲家勋伯格门下学习作曲。凯奇交不起学费，但勋伯格被凯奇欲献身音乐的精神所感动，同意免费为他授课。但凯奇毕竟缺乏一般意义上的专业作曲家所必需的对和声的感觉，两年后勋伯格劝他不要再致力于作曲。40年代，凯奇在北卡罗来纳的黑山学院听到了日本人铃木大拙关于佛教和禅学的讲课，深受其影响，很快成为禅宗的追随者。他开始把禅学思想运用在对作曲的新尝试中，把音乐想象成“无目的的游戏”，认为生活只是生活本身，一切都要顺其自然，而无须刻意从混沌和偶然中寻找出什么秩序，由此成为了“偶然音乐”作曲家的早期代表人物。他可以打破所有传统作曲技法、所有标准乐器及其标准演奏法为“音乐”所做的既成限定，用一系列连他本人都没有预料也根本不可能预料得出来的音响效果作为他的作品，给听众营造意境并昭示哲理。例如在钢琴的弦之间夹上异物来创造新的音色，在乐谱中写明各个演奏员要根据自己当时的感觉来随意打开或关上收音机，请钢琴家在台上泼水等等。毫无疑问，这些做法使得凯奇从成名时直到今天，一直都是备受争议的人。但以他的作品影响之大，也已无愧于被载入20世纪的音乐史。

约翰·凯奇一生中最为石破天惊当然也是最著名的音乐作品当属《4分33秒》（首演于1952年），该作品为任何种类的乐器以及任何数量的演奏员而作，共三个乐章，总长度4分33秒，乐谱上没有任何音符，唯一标明的要求就是“Tacet”（沉默）。作品的含义是请观众认真聆听当时的寂静，体会在寂静之中由偶然所带来的一切声音。这也代表了凯奇一个重要的音乐哲学观点：音乐的最基本元素不是演奏，而是聆听。约翰·凯奇《4分33秒》的一个纪录片，现场纪录了他那次静寂无声的演出。他走上指挥台，拿起指挥棒，然后像木头一样静止地停在那里，整个音乐厅的人都有点莫名其妙。过了一会，他装模作样地把乐谱翻过一页，还掏出手帕擦了擦汗水，惹来人们的会心微笑，最后，4’33过去，全场爆发出雷鸣般的掌声，经久不息，没看表有多少秒；约翰·凯奇绅士般地致意。有点好笑，好像发生了什么划时代意义的重大事件；实验，先锋，像变戏法的魔术一样暂时俘获了有点疲劳而又眼神不大好使的现代人。

约翰·凯奇的其他作品还有《方塔纳混合曲》《玩具钢琴组曲》《空洞的话语》等。并出版了《关于无的演讲》《从星期一开始的一年》等很多专著和谈话录。

另外，凯奇也是一个狂热的业余的霉菌学家和蘑菇收集者，并加入了纽约霉菌学会。他还创造了一种叫做Mesostic的诗歌体裁，让大写字母位于句子的正中而不是开头。

1992年8月12日，凯奇在纽约逝世，享年80岁。

个人作品

约翰·凯奇出生于一个英国移民家庭，凯奇家族中有好几代人都极具发明创造的天份，在凯奇一生的音乐创作中，这种家族遗传的天份表现得十分显著。他早年师从亨利·考威尔、阿道夫·威斯、勋伯格等三人学习作曲，其中勋伯格对他的影响尤为深远。由于凯奇对西方传统作曲技法的不适应，更主要是与勋伯格的作曲思 路和方式的截然不同，他前后历时五年的作曲学习以对师门的全盘背叛而告终。

由于对现有音乐材料产生不满足感，凯奇从三十年代末开始首先将探索的突破口放在音色和结构上。他通过打击乐创作，尝试新的音响组合，同时并对音乐的结 构作了一系列探索，节奏结构”理论就是他在这个时期所提出的。所谓“节奏结构”理论就是将音乐结构建立在时间长度之上的简单而有效的组织方法，这种节奏 结构理论成为他后来多年创作的主要技术依据之一。凯奇在这个时期的代表作有； 为打击乐而作的《第一结构（金属）》《第二结构》《第三结构》《风景用爱神》等。这个时期凯奇集音色探索与节奏结构理论之大成的作品是为预制钢琴而写的一系列独奏，这些作品通过对钢琴的琴弦进行加工处理，在弦中间加入一些诸如钉子、 螺丝、铁片、毛毡等物，使钢琴的某些被预制的音接近于打击乐的音色，取得了令人意外的音乐效果，其中最富代表性的作品是《奏鸣曲与前奏曲》。

接下来，凯奇开始了他更为激进的前卫探索——摆脱前一时期对音乐要素诸如音色和结构进行拓宽的思路，而是直接指向改造音乐概念本身。他在四十年代中后期接触并接受了佛教禅宗思想，这种充满思辩色彩的东方哲学思想在凯奇一生的音乐创作中起到举足轻重的作用，它是凯奇许多音乐思想和实践的基础，并且是凯奇背 离传统音乐道路的主要精神动力之一。他首次提出了“空的节奏结构”概念，就是在作曲家划定的时间结构内，任何声音都可以投入到空的时间框架之中。他在著名的“关于一无所有的演讲”中反复强调掸宗中的“空”、“增懂”的境界：“我无话可说但我正说着因此这正是我所需要的诗意”。基于这些理论，他构想了一部实验性的作品《4分33秒》，在音乐史上首次将“silence（无声）”这个概念在音乐舞台上得以实现。凯奇在这部作品中想要做的就是清空节奏结构，让它在一无所有的状态下，坦然地拥抱所有最纯粹的、自然发生的音，在空的结构框架内所有的声音，包括无声，都可以成为音乐。

五十年代初，凯奇开始强调声音的产生是一种偶然的结果，它们之间的联系不 再是作曲家强加给它们的。由此他开始用偶然的方法来作曲，这个时期的许多作品还运用了图表形式来创作，也同样强调了偶然性的 应用，如《变化的音乐》《威廉混合》和系列图表作品“万千事物”等。

六十年代，他尝试着把生活场景原封不动地搬进艺术。从他作曲生涯中的又一个划时代作品《0分00秒》开始，凯奇把创作注意力集中到对行为过程的关注。事实上，《0分00秒》没有 作为一个作曲的对象而存在，它完全不是一个乐音的系列或集合，而是作为一个行 为过程，通过表演者的行为--坐在椅子上打字、喝水等一系列行为来构成整部作品。六十年代凯奇作品的性质已经属于行为艺术的范畴，他在作品中极大限度地将 生活与艺术之间的距离拉近和抹平，在这个阶段，他迈出了离传统的音乐概念最远的一步，他几乎完全取消了原来意义上音乐构成的基本因素——乐音，打破了听音 乐的习惯方式消解了观众的审美距离，最大限度地将音乐予以泛化。

六十年代末到九十年代，凯奇的创作风格基本上倾向于对传统音乐因素的靠拢和回归。从《廉价模仿》开始，他明显表现出了对传统的可参考性的认可：“有时候我们模糊了艺术与生活的区别，有时候我们又试图去分清它们。我们不能一条腿站立，得用两条腿站着。”于是他的作品又回到了有乐谱有音高的形式上来。^[1] 

凯奇是美国人文背景中产生的音乐家，他的思维和行为方式都带有典型的美国式特点——开拓、创新和向传统挑战。从某种角度说，他开创了一个时代，却彻底的毁灭了音乐。